lugares del arte

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Lugares del arte                                                                                       Dos exposiciones en el Casal Solleric de Palma de Mallorca, sirven de excusa para reflexionar sobre la acepción de los lugares en el arte.                                                                                                 El “one woman show” de la joven artista, Irene de Andrés, trata el “no lugar”, bajo el título IDEA. Frente a ella el concepto del lugar preferido o amado, es decir el “locus amoenus”, se desarrolla en la exposición retrospectiva dedicada al clásico artista y dibujante de comics norteamericano, Russ Heath. Ambas permiten abrir nuestra visión sobre ámbitos curiosos y diversos de la escena contemporánea.                                               El concepto del no-lugar fue acuñado por Marc Augé, para referirse a espacios y localizaciones que son accidentales o de tránsito en la vida cotidiana de las personas y que por tanto no merecen ser llamadas lugares.                                                                                     El proyecto de arte en territorio, o land art, que desarrolla la joven Irene de Andrés, trata el no lugar ahondando en la biografía de un edificio. Se trata de una ruina contemporánea, pues se concibió como discoteca al aire libre en la isla de Ibiza y por motivos administrativos, nunca llegó a total uso en su concepción inicial. La vida del edificio convertido en romántica ruina contemporánea, se hace un no lugar o visión de tránsito, que corre pareja a la propia evolución económico social de España desde los años ochenta hasta la actualidad. Un edificio que es un no lugar de ocio en el país del ocio, el sol y el turismo. La exposición presenta con estética de archivo documental varias perspectivas de la vida del edificio y sus postrimerías y es un interesante juego intelectual de una joven cabeza pensante.      

La retrospectiva de lugares afectivos, o locus amoenus, en forma de dibujo de comic firmado por Russ Heath, nos transporta al dibujo, a la imaginación, al sueño de universos míticos hiperfemeninos e hipermasculinos, donde una realidad hipertrofiada se convierte en el lugar ameno, o espacio favorito de nuestra época juvenal o de toda una vida. Los comics con sus personajes de ficción en forma de superhéroe y sus personajes reales cargados de testosterona masculina o eterno femenino, son un lugar de cobijo para las mentes volátiles de los aficionados a la lectura. Una novela, un relato, un comic, son lugares idílicos donde cobijar nuestros anhelos. Esta exposición nos permite ver en formato de clásico dibujo de ilustración un mundo que fue, ha sido y será el lugar de sueños tórridos de generaciones.                                                                                 Román Padín Otero

Una rosa no es una rosa

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Una rosa no es una rosa                                                                      La exposición In-volución, de Philip Wolf en la galería Lluc Fluxá, situada en la calle Can Ribera de Palma de Mallorca, es formalmente dúctil y decorativista. Conceptualmente es un homenaje a las secuencias espaciales y a las metamorfosis.    Toda la producción que se exhibe está apoyada en un hilo narrativo de origen, nudo, desenlace, desde una perspectiva biológica, pues hay imágenes que van desde un huevo hasta un réptil adulto. También hay narración desde una perspectiva organicista, pues esas figuras biológicas se combinan con imágenes de secuencias arquitectónicas que se autogeneran desde la casa individual hasta un tapiz, prácticamente abstracto, de una cadena de construcciones en sincopada reproducción.    Si los cubistas en literatura insistían, sic Gertrude Stein, en afirmar el significante de una flor como su significado…”una rosa es una rosa es una rosa”. Hoy el pintor figurativo, afirma que un huevo es una ciudad en perspectiva, una mano de rana es un conjunto de calles y un cocodrilo es una representación armónica de una cierta música de amueblamiento con orígenes remotos en Satie. “Una rosa no es una rosa” en la obra de Philip Wolf, “Un huevo es una ciudad es un reptil es una calle”.                                                                                                   Para la calificación de la obra como dúctil y decorativista, se toma la argumentación en la calidad de la ejecución de estas pinturas acrílicas y en el estilo figurativo. Figuras biomorfas que aparecen pixelizadas o  estilizadas resultan de ambientación estética. Dentro de ellas los diseños de ciudades como tapices que recuerdan el grafismo del comic de salón firmado por Pierre Le Tan, o de la iluminación medieval del Beato de Liébana o aún de los tejidos elegantes de Piero Fornasetti, hacen agradable y confortable la visión de este conjunto pictórico.                              La inclusión de la obra en la idea de secuencia o proceso o metamorfosis, se toma de la propia conceptuación lógica de la obra por parte del artista. Y en la localización de dos extremos discursivos en la producción. La inspiración en la espiral del ADN del mundo animal, para producir vida evolutiva sobre la base de formas tan antagónicas como un huevo y un reptil. Y la inspiración en la espiral del mapa tardo medieval del desorden de las ciudades que representa. Unas ciudades que como por ósmosis crean una casa junto a otra, que se generan desde un centro social o religioso en forma de edificio civil o iglesia, que en los dibujos de Wolf aparece casi desvirtuado.                                 No es retórica esta visión de la ciudad que obedece a la desgraciada actualidad de los campamentos de refugiados que adoptan esta forma caótica. O de los poblados de favelas brasileiras que también tienen este caos como referencia. Los diseñadores brasileiros, hermanos Campana, toman la exuberancia de la selva de su país, de sus favelas, de sus colores y sus ritmos, para hacer nuevo diseño industrial de purismo carioca. Así Philip Wolf, toma el abigarramiento de la urbe y del animalario para recrear universos de deseable orden estético, él lo consigue. Una rosa ya no es una rosa…

Román Padín Otero     

Et in Arcadia Ego

Et in Arcadia ego                                                                                    Tomo prestado el título para este artículo de un capítulo perteneciente a la novela escrita por Evelyn Waugh, “Brideshead revisited”. La Arcadia de la novela se refiere a un momento pastoral o de introspectiva tranquilidad, en las vidas de los personajes descritos por el autor británico. No sin cierta ironía, la Arcadia se trae aquí a colación no como un lugar  mitológico y poético, sino como la temporada del año que en el sistema de la moda, se repite en dos momentos y lleva el inquietante nombre de “descuentos”, “saldos”, “rebajas”u “ofertas”. El descuento en ámbito mercantil, se refería a un cierto contrato bancario con pagarés y letras a plazo. El saldo, tiene una connotación de baratija…”ese hombre está de saldo”…La rebaja, tiene evocación servil. Y la oferta sería aquello que de sí, se ofrece. Las letras de cambio, solterones buscones, genuflexiones o un acto oferente, no tendrían nada de especial atractivo si se miran objetivamente. Sin embargo, nuestro ámbito de significantes y significados desnaturalizados por el abuso sintáctico, ha convertido a la baratija, la oferta, lo chusco y lo de menor precio por defectuoso u obsoleto, en el centro de la existencia contemporánea.                                                                  La Arcadia del siglo XXI, no es un paraíso campestre literario o pictográfico, sino que es el ámbito mefistofélico de los comercios en las calles centrales de las ciudades vendiendo con “menosprecio” todos sus bienes y servicios.                                                                                                   A mi las rebajas me parecen esperpénticas, son una manera de adquirir lo innecesario y por reducción de márgenes aumentar la necesidad de ERE (expedientes de regulación de empleo). Sin embargo, por no parecer "a contracorriente” en exceso, voy a recomendar algunas cosas de interés en este período comercial para el armario del caballero del siglo XXI. Es importante llevar americanas de buen paño y mejor corte. Es principal llevar zapatos de piel o materiales tecnológicos de óptima calidad. Como quiera que esas cualidades excelentes son paralelas a precios elevados, sería inteligente aprovechar el período “de arcadia comercial”, para comprar básicos en tweed, alpaca, algodón que completen el perfil sartorial del armario masculino. En cuanto al calzado, una colección de zapatos negros para trajes marino; marrones para trajes ocres; zapatos Oxford en versiones de trabilla simple o doble, cordones o elásticos en suela o goma, es atemporal y se puede completar en período de descuentos. Debemos, eso sí, comprar cómodo y sencillo. No seamos como el bello Brummell que necesitaba dos criados para abrochar su corbata. Jaume III, Vía Condotti, Faubourg Saint Honoré o Paseo de Gracia, son algunos de los lugares donde encontrar la Arcadia del buen producto a buen precio.                                                                 Román Padín Otero     

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Xim Llompart, artista

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Visiones de China                                                                                Xim Llompart expone en el espacio La parada de los Monstruos, de Palma de Mallorca, una selección de su obra pictórica reciente. En la muestra se exhiben, en diversos soportes y con juegos bidimensionales en ocasiones, varias series de las que podríamos llamar “visiones hiper expresionistas de retratos, bodegones y paisajes icónicos de la China del siglo XXI”. Una audaz y sincera, propuesta iniciática del universo plástico de un joven brillante artista.                                                                                    Xim Llompart es oriundo de las Islas Baleares y con formación generalista en el ámbito de las humanidades, reside en la actualidad en China, desde donde observa el entorno a través de su ojo de artista. Varios son los extremos académicos y teoréticos que se pueden apreciar en su producción, desde el punto de vista del observador curioso, o del que hace crítica comparada.                                                                                            Las visiones de China, podrían ser tomadas como una anécdota de localización o ser advertidas, como debe, en toda su amplitud. Hay todo un bagaje cultural de la visión de culturas extrañas a través del viajero sofisticado. Los europeos veían la cultura grecolatina desde el grand tour. Los viajeros románticos veían la Alhambra desde las narraciones apócrifas de cuentos y leyendas orientalistas y llenas de embrujo. Un francés como Merimé vio a la mujer española idealizada en la Carmen, a quien Bizet puso voz y a quien vistió en no pocas ocasiones Yves Saint Laurent. Aún, las imágenes más populares de Quijote y Sancho, son de otros franceses como Gustave Doré y Honoré Daumier. Es decir, mucho se descubre de las posibilidades estéticas de un lugar y una cultura, cuando lo observan ojos neófitos de viajero apasionado. Este es el caso de Xim Llompart, que como el grupo pop de los años ochenta Japan, nos ofrece “Visions of China”. En sus cuadros aparecen memorias del chico joven miembro del partido, memorias de uniformes, de aires que necesitan mascarilla, de juegos en las calles y de personalidades arquetípicas de una China legendaria que despierta a la modernidad. También la incursión del capitalismo en China, aparece con los bodegones de McDonalds y el título de la muestra “Take away”. Esta forma literaria de ver China sirve de leitmotiv a la muestra.                                                                                             El expresionismo figurativo es la forma en la que están realizadas las obras. Esa figuración que expresa gestos y movimientos, psicología y fugacidad, se descubre como estilo en la época de las vanguardias y se redescubre en los años ochenta en Alemania, Estados Unidos e Italia con el neoexpresionismo de Baselitz, Basquiat y Clemente, entre otros grandes artistas. Retomar el expresionismo hoy, obliga a calificarlo, en los términos del filósofo Gilles Lipovetsky, siguiendo el aire de los tiempos. Estamos en la hipermodernidad, después del modern y el postmodern. Así que la figuración vibrante, colorista, rápida y llena de pulsión de Xim Llompart, responde al hiperexpresionismo. No es sorpresa que un brillante joven artista elija este lenguaje, para narrar visiones de un lugar remoto, pues obedece al juego de la memoria involuntaria. Una forma de narrar con imágenes que permite al libre albedrío crear con más vigor. Sí es sorpresa, sin embargo, que lo haga con tanto virtuosismo y dominio de la ejecución. Es deliciosa la inspiración, la ejecución y la visión.                                                                      Igual que Bruce Chatwin nos deleitó durante varias publicaciones con sus viajes y gabinetes de curiosidades. Esperaremos que el creador Xim Llompart, nos siga dando capítulos pictográficos de sus visiones del entorno con acentos de viajero curioso y esteta sosegado.                                                                                       Román Padín Otero                                                                             (crítico de arte independiente en El correo gallego, El faro de Vigo; profesor de Análisis de Tendencias en Esdemga, (Facultad de Bellas Artes de Pontevedra); licenciado en derecho; responsable de producto en las tiendas Cabot Centre de Palma de Mallorca)    

London fashion week AW 2013-14

Lou Dalton, Topman, man

el impresionismo y la moda

http://www.elcorreogallego.es/opinion/firmas/ecg/impresionismo-moda/idEdicion-2012-12-30/idNoticia-783699/
El impresionismo y la moda
ESTE OTOÑO, los vestidos firmados por Jeanne Lanvin para la actriz española Catalina Bárcena han abandonado la sede del Museo del Teatro en Almagro. Al ser subastados en Christie´s por sus legítimos titulares, alcanzando un montante de 207.127 dólares. Esta venta deja un hueco en el patrimonio de las artes aplicadas en España, que viene a trufar un tema antiguo de ninguneo de lasarts&crafts en nuestro país. España es un país de temas mohosos que nunca tienen solución. Las cuestiones administrativas, las cuestiones territoriales, las cuestiones de recursos naturales como el carbón o recursos industriales como los astilleros, entre otros muchos, nunca se resuelven, sólo se prorrogan. Las artes aplicadas, que podrían ser una fuente de recursos extraordinarios, (sic Francia y la industria del lujo), siguen el mismo exangüe devenir. ¿Dónde están los cristales de La Granja, las porcelanas del Buen Retiro, las alfombras de las Reales Fábricas, la alta costura española, la moda como cultura, los iconos de lo español como imagen universal? Mientras, en Francia, se celebra una exposición en el museo de Orsay, financiada por LVMH, que bajo el título El impresionismo y la moda, pone en relación una selección de obras maestras de Manet, Bazille, Degas, Caillebotte, Monet, Renoir, entre otros, con vestidos de la época correspondiente al final del siglo XIX y principios del XX. Se trata de una manera de analizar las obras de arte pictóricas a la luz de la sociología del vestido y conocer otras perspectivas de la luz, la impresión y la fugacidad del momento, en sede de artes aplicadas del vestido y bajo las fuentes literarias, entre otros, de Mallarmé. El poeta dirigió durante una época la revista llamada La dernière mode, incorporando a las ilustraciones de moda y a la frivolidad del momento, el análisis sociológico del vestido como expresión cultural y forma de manifestar la subjetividad individual y la corrientes grupales dominantes. De esta conversación entre cuadros y trajes, surge la celebración del sector del arte y la cultura. De la moda y el lujo. De las artes aplicadas y la identidad de un país, como Francia, con su hegemonía en el campo del "arte de vivir". De la vida como una de las bellas artes